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西方现代绘画与后现代艺术的特征及涵义


□ 刘 宣

  关于现代美术和后现代艺术从时间上判断,史学家曾有这样的结论:1900年到“二战”后的一段时期为现代,再后到现在为当代,而“后现代”一词则是20世纪70年代以来把一种脱胎于旧风尚的新美术冠上“后现代”的概念,它与“后工业时代”的说法有密切的关系。作出这样的结论是出于对欧洲和美国政治、经济文化变化的相应阶段而定。探讨当代美术的发展脉络,我们可以从时间先后以及特征上对其涵义进行分析。
  
  一、20世纪30至70年代
  
  30至70年代的五十年里,从马蒂斯到毕加索、米罗、克利、康定斯基、杜尚的三四十年,是现代主义美术发展的最繁荣时期,这时的现代主义的大师追求的不再是拷贝自然,而是表现画家们的内心自然,从各自作品的形式上看,虽然风格各异,但都与传统美术相关,分析起来它们的特征都包含以下几个方面的因素:
  物理性的(作品的尺寸、材料)
  主题(抽象、具象)
  内容(抽象、透视、幻觉、视觉、能力)
  形式(图形、线条、色彩)
  观者(凭经验)
  50年代是欧美美术流变最剧烈的时期,那时的美国经济突飞猛进,美国向世界输出其民主价值观;他们有目的投入巨额资本,收购符合其价值观的艺术作品。巨额资金的投入,政治上的优越地位,使得欧洲的艺术中心地位被美国取代。美国画家德·库宁、杰克森·波洛克等就是这一时期抽象表现主义的代表。抽象表现主义绘画的最大特征是反复修改画面,通过画家与画面的不停接触,从而与作品形成对话,从此意义上讲,艺术家成为画作的一部分。从这方面看,说他们是“行动画派”极为适合。
  60至70年代是流行艺术的年代,经济、政治上的繁荣直接反映在意识形态上,流行艺术为其作了最好的解释。流行艺术的特征体现在形式的多样性、题材手法上的不断翻新、画幅尺寸上的越来越大,内容上的特点是生活的直接性和艺术与非艺术的混淆性。从文化上说,流行艺术是对美国商业文化、政治民主的一种反映。流行艺术的艺术家一直醉心于加工处理社会中最常见的生活垃圾,如最常见的流行图像、广告、电影明星图片、竞赛场上的骚动场面等。像罗伯特·劳申伯格、安迪·沃霍尔、贾斯帕·约汉斯都是主要的参与和倡导者。
  现代主义美术从30年代到70年代的五十年中经历种种变化,其流派之多、绘画形式的繁杂都是历史上少有的。美国将抽象表现主义作为文化侵略的武器,随后又将最低限度的抽象艺术和色面绘画推销到全世界。这两种将现代主义发挥到极致的绘画是典型的晚期现代主义。实际上70年代的流行艺术在其艺术与非艺术的混淆性上已具备了后现代美术的特性,要全面把握它的发展脉络,可以通过三方面去分析:
  1.对色彩的分析。从上个世纪中叶开始,绘画变成了一种自我表现的形式,艺术家不再是面对现实,而是面对自己、面对绘画的方法。如抽象表现主义的绘画,现实中的色彩变得不重要,重要的是画中的色彩。在他们的画里,色彩成了第一要素,色彩既是形式也是内容,他们关心的只是画布表面和画面上颜料的性质,换句话说,绘画的语言可以被削减到仅仅是色彩和图像的关系,仅这一点就可以是绘画存在的所有理由。从另一方面说,色彩可以脱离画面的具体内容,那么也可以脱离绘画者的行动本身。既然色彩在绘画中由不同构图表达的意念是无关紧要的,那么使用色彩的目的也只是纯粹为了美容化妆而已。由于对传统的绘画,特别是超现实主义绘画中色彩的功用性和价值性的批判,导致了“至简主义”绘画的出现。 ......
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摘自:文艺研究
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