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文艺复兴时期绘画中的“光影”模式


□ 霍绪德

意大利14世纪前在欧洲不是文化的中心,它更多的受东方拜占廷风格的影响。恰恰是因为拥有这个坚实的拜占廷传统,在13世纪将要结束时,意大利人开始了超越,并改革了整个绘画艺术。而向“自然”看齐的趣味使画家开始利用这种传统并转换雕刻的形象应用于绘画中。于是一个新时代的天才——乔托(Giotto di Bondone)出现了。他重新发现了在平面上造成景深错觉的艺术。
在乔托的《笃信》中,我们第一次看到“光影”在闪烁。乔托让欧洲绘画产生了“光”!那是一种人们普遍感受到的自然之光,这是个新的开始。
马萨乔(Masaccio),15世纪初意大利艺术家。他继承乔托的传统,利用透视法和明暗法创作了大量艺术杰作,深刻地影响了以后众多画家的创作道路。在《比萨祭坛画》的中间画板《玉座上的圣母子与四天使》中,我们看到了中世纪所没有的光。来自画面左上方的光线,照射在人物的身上,形成明暗变化,表现出立体感和深度感。
与此同时,在欧洲的北方,新艺术观念与趣味同样得到鼓励,出现了以凡·爱克(Jan Van Eyck)为代表的一大批力求模仿自然的画家。在凡·爱克的作品中我们强烈地感受到那种“真实”感,这与对物象细节的忠实描绘分不开,其中对光影变化的认真摹写是造成“真实”感的重要原因。物象的塑造不再是扁平的,而是有明暗变化的物体,是一种光线照耀下的场景。在著名的《阿尔诺菲尼的订婚》中,从左上方照射来的柔和的室内光是那样自然地飘洒在人物和场景中,通过这种特殊光线的描绘,我们甚至可以闻到氤氲在环境中的气息。这种新的方法给后人以巨大的影响。
意大利和佛兰德斯艺术家在15世纪的艺术新发现震动了整个欧洲。对于新技术的探索与研究开始体现在不同题材的创作中,而对“光影”的自觉意识也比以往更清晰。大部分艺术家在关注透视法和解剖学研究的同时,光线的处理也在一天天成熟,他们大多是继续在平面黑白分割的基础上对物象进行明暗塑造,光线是以一种“平光”的形式出现,我们可称之为“漫散光”。这种光线的特点是物象均匀受光。
而在安德烈亚·曼泰尼亚(Andrea Mantegna)和弗朗切斯卡(Piero Della Francesca)的作品中,我们则感受到他们在光线的应用上开始显示出比其他画家更为自觉的意识。在他们的作品中,光线开始与整个画面融合成一体,并具有了重要意义,光线与明暗不仅仅为使物象具有立体感,而且对于三维错觉也同样有重大作用。
15世纪后期意大利和北方艺术家在光线的使用上,大多是“平面漫散光”的模式。这种模式在达·芬奇、拉斐尔那里达到了一种完美的境地。
达·芬奇创造了著名的“渐隐法”,在他的绘画作品中,那些模糊不清的轮廓线处理,柔和的色彩、光线处理,使不同物象有机地融合为一体。更不同于前代画家的是,达·芬奇从理论上给予“光影”充分的论述。他写道:“论光线——照射不透明体的光线有四种:普遍光,例如地平线上大气的光。特殊光,例如太阳、窗口、门洞及其它有限口的光。第三是反射光。第四为透射光……”(达·芬奇《论绘画》)他是第一个以科学的态度去研究光影变化的人。也正是由于这些不同于前人的观察与研究,使他的绘画作品中的“光影”变化更丰富、更自然、更有美感。达·芬奇研究了不同的光影变化,他推崇一种“理想光”,“柔光中的物体光影反差甚小。薄暮时或阴天时就如此。这样的作品柔和,能使各种面庞幽雅。无论什么事情,走极端总是错误的,光线过强造成粗糙,过暗则一无所见,适中最佳”(达·芬奇《论绘画》)。在达·芬奇的作品中,我们就能够体验到那种“幽雅”的柔和之美。这也正是14、15世纪以来大批艺术家寻求的一种“光影”模式,在达·芬奇和稍后的拉斐尔的作品中,我们看到了“平面漫散光”的完美模式,那是一种幽雅、平静、永恒的光。这种用光模式,即文艺复兴时期的第一种“光影”模式。 ......
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摘自:文艺研究
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