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求取当代绘画的生命基因


□ 张映辉


“我认为一个诗人或艺术家永不可能有唯他独有的感觉。理解他们,就是考察他们和过去诗人或艺术家的联系,他们的价值是和一个名叫‘传统’的整体相关联。感觉形成的历史,犹如一株植物根据自身的发展规律而生长,相隔一段距离构成这部历史的每一件作品,只是一种对其他作品的轻微变化而已。”①这颇具文化守成色彩的话语,竟然出自强调反叛精神的西班牙画家塔皮埃斯之口,着实令人惊讶不已。他一语道破这样的事实 :无论处于何种时代背景,如果不能自觉地植根于艺术的价值和意义层面 ;主观割裂与传统的联系,画家就必然不能汲取到创造的活力。无疑,塔皮埃斯关于绘画生成的精辟见解,对中国当代绘画创作的定位和画家选择而言,仍是不容忽视的。
在时下的中国画坛,我们总是不安地发现如此的“时尚”:有些人把绘画传统片面地理解为过去时的笔墨程式和符号,在超越固有模式的旗帜掩映下,声称应对经典予以解构和改写 ;另一些人则热衷于抄描血腥和颓废的病态生活现象、机械地复制冷漠的“类象”,仿佛只有如此才能体现绘画的当代性。当以科技发达程度作为艺术的比附之时,他们往往自惭形愧,反认他乡是故乡,误入所谓艺术进化的迷途。在开放自由的名义下,这一切为机会主义者和玩世主义者提供了生存的土壤,由于沦为他人的拷贝复制者,创作自由亦就无从谈起了。“时尚”作品的出现不仅把观众引向庸俗不堪的境地,而且在冷落本国文化传统的同时,使作品的创造价值悄然遁去,使绘画丧失了予人心灵慰籍和精神提升的功能。这正印证了老子在二千多年前的冷峻思考“大道废,有仁义 ;智慧出,有大伪。”
很明显,这里存在着一个理论和创作的误区。那就是,把当代西方绘画视为目前中国绘画创作的摹本和标准,予以移植套用,而不是从绘画何为的追问出发,去探觅作品的终极意义。如要驱散眼前的迷雾,把画家从“阐释的焦虑”状态当中解脱出来,去除自卑情结,从而在全球当代话语喧哗声中,发出宏亮的声音,我认为必须正确理解和把握本国悠久的文化传统,确立自身的绘画品位,消除对当代性的误解。
可以说,在人类进入工业化、信息化时代的背景下,当代性已成为不容否定或忽略的现实存在。那么,当代性是否仅仅以西方文化为模式呢?肯定不是,虽然处于西方文化的强势之下,非西方国家的民族思维和精神禀赋并未失去存在价值。在那里,弘扬民族精神和倡导多元共生的文化格局之呼声日渐强烈。这一点正如西方学者杰姆逊所论述的那样,“我不认为当今所有的文化生产都是‘后现代’的,‘后现代’其实就是一个力场,截然不同的文化冲动,必然依照各自的方式发展。”②正是由于文化的差异,在非西方的国家,当代性最终表现为全球化与本土化共存融合的趋势。从这个意义上来说,任何从二者之中抽出一维作为标准的看法,都是对当今世界复杂性的误读。在“我自发我之肺腑,揭我之须眉”的回声中,我们既然可以用包容的胸襟和气魄借鉴西方,为何不能潜入民族的绘画传统,从中汲取养分呢?由此看来,从传统绘画中提取生命基因,使其在当代文化背景下生长,应该是当务之急。 ......
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摘自:装饰
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