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艺术的个人风格和创新技术


  达世奇/撰文

  引言

  桌上放着三本书:黑格尔著,朱光潜翻译的“美学》;丹纳著,傅雷翻译的《艺术哲学》;阿恩海姆著,腾守尧翻译的《艺术与视知觉》。

  在网上浏览了_一些艺术评论的文章,我恍然大悟。黑格尔和丹纳,一个死于1831年,另一个死于1893年,他们的美学理论等同他们所处的艺术时代,只能统统归属于古典主义。而中国的艺术理论家,几乎都是他们的弟子。从民众一致认同的写实美学观中可以判断,中国的艺术评论界严重地与当代艺术家脱节,是大众美感趣味没有提高的直接原因。而艺术家自己则轻视理论,认为艺术评论与自己无关,只是有时拿来故弄玄虚地做吹捧之用。

  在微博里有一条消息,一个美国的评论家要与三个中国艺术家对话,他说:“这些文章当中我想提出的是一种不同的思维方式,通过感觉和社会感来理解艺术为什么对延续文化来说是必不可少的。”这是一句空话,等于拍拍某画家的肩说:“应该继续画!”而无论哪个民族的画家,都已经连续画了几千年,不需要这句废话。人类在蒙昧阶段有了黑格尔,但现在人类已经成熟。

  阿恩海姆在1951年写成了“艺术与视知觉》,剖析了现代艺术来自于传统写实艺术的科学过渡。说到印象主义时,绘画本身对客观现实的突破,三维空间被压缩为平面,形体透视的假定性,艺术家渐渐从严格的客观外在的视觉束缚中逃脱,从形到色,导致了颜色的革命。一个人在绿丛中,脸上要抹几笔绿色。而绿丛的阴影里,又加了几笔橙色,这是光学研究中环境色的影响。

  虽然阿恩海姆说到这里已够让人佩服的了´但他毕竟不是一个艺术家。我非常理解在巴比松画派之后,艺术家们对野外明亮的阳光和绚丽的景色束手无策,对调色板上脏兮兮的颜色不满和痛苦。他们发现了另一种真实,只有用更接近原色的鲜亮组合、各种颜色并置,才能表达这种阳光下的真实。他们成功了,并不是因为有了他们的晚辈阿恩海姆,反而是他们所追求的过程比阿恩海姆的理论分析更加深刻。如果阿恩海姆真想探个究竟,也必须要在太阳底下画上几年。

  印象主义不仅是由古典转入现代的视觉革命,更重要的,是引发了_一个标新立异、反传统的美学观。艺术家们寻找和挖掘新的视觉爆发点,引领观众的审美更新。几十年来的大众美学教育,改变了西方几代人的视觉趣味,求新成了大众的观念,并涉及到各个时尚行业。

  我女儿读11年级的时候,相当于中国的高二,美术课以理论为主。谈谈某幅画的历史背景、画家的经历、时代对画家的影响、当时观众的感受、学生自己的感受、画家用了什么手法、哪些因素是吸取前人的、有哪些技巧风格是独创、表现了时代的哪些方面、画中美学元素如何构成、创新部分对美术史的影响等等,完全达到中国美术学院艺术理论专科的程度。记得有一次在实践时老师这样安排,把一大堆从报纸上剪下来的黑白照片发给同学,要他们再把照片中的人像剪碎,学毕加索的立体主义风格重新组合,回家后还要按重组的照片创作一幅新的立体主义画面。我当然要兴致勃勃地插手,可是画完后女儿提意见了,“太清楚了”,“应该是模模糊糊的”,一个中学生,艺术的初学者教会了有近半个世纪画龄的我怎样观察。

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摘自:上海艺术家
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