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由《原野》的写意性导演处理说开去


  何雁 撰文

  学生时代,我们大量的戏剧训练素材就来源于曹禺剧作中的经典片段,当时由于年龄的关系,并不能完全理解剧中复杂、深刻的人物情感,只是能清晰的感受到文本中对人物层次分明、层层深入的刻画。后来来到学校工作,与陈明正老师合作排练《家》,之后又演出《原野》,再后来又导演《原野》,曹禺的剧作贯穿着我的艺术生活。

  最近几年,我一直在作出种种努力、尝试,希望可以用一种新的、方法去介入经典剧本。

  这里有客观的因素。比方说我第一次带《原野》出国演出,对方告诉我说没有那么大的集装箱可以供我装景片带出国。这个时候,我就面临着一个“减法”问题。虽说客观上的困难使得我们不得不减少布景,但是我始终秉持的理念是“不能减掉这出戏的彩”。这时候,中国传统美学中的“留白”理论给了我很大的启发。“一桌二椅”、写意性、空间的假定性等等是我们中国传统戏曲的重要特点。通过不断尝试,最后我们将景减到只有把凳子、一个拐杖。

  在客观因素之外,也有着我们的主观追求。比方说《原野》中颜色的运用和舞台的设计。我查阅相关的资料,那个时代,尤其是春秋天就是一片灰,冬天就是一片白色。那么我尝试着删减其余演员的衣着颜色,是为了凸显金子的那套新衣服的色彩,从而达到凸显演员的艺术效果。同时,对该剧的空间设计,我们也进行了大胆尝试。经过案头工作,我发现该剧的场景不多,但是怎样集中、凝练地呈现?我们设计了充满假定性的立体舞台:在平面下设计了地窖,平面上方设计了场院、甸楼、三楼、弄堂、亭廊、窗里窗外等等,这样的设计在省去景片的同时极大的拓展了演出空间。“相框”多义性的运用也是该剧的 大特点。剧中的主要道具4个“相框”,同时兼具窗户、镜子、门、过道的功能,并且赋予其隐喻的含义。这一开创性的探索在国外的演出中亦广受赞誉。

  上述这些是在颜色选择、排练方法、以及道具选择上,我们做了一些探索。反思这些年的话剧教学与实践经历,我特别希望看到对曹禺先生的经典作品有更多的尝试与探索。

  另外,我想谈谈对于用身体心灵共同解读曹禺作品的重要性。

  话剧从日本引入我国之后,学生、话剧爱好者、戏曲从业者构成了我国话剧的主要工作力量。那一阶段,话剧的排练方法在很大程度上继承了戏曲的教学办法,导演在某种程度上充当了戏曲教学中的“师傅、教师爷”的角色,导演要求演员怎样做,演员就怎样做,中规中矩,不敢越雷池半步。这种情况到现在还有延续。这样有好处,戏比较讲究,但是也形成一种惯性,戏比较固定。导演的想象和演员的想象可能不致,两者配合在起,可能发展成违背大家最初设想的结果。

  在对世界其他国家的表演训练进行研究之后,我们意识到中国的戏剧在剧场表演方面缺少非常重要的一个部分——身体训练。西方的戏剧演员把语言利用身体诠释的更加充分。在西方,戏剧表演有一个大致的发展过程:刚开始是写实主义,后来进化成身体阶段,再后来回归剧本,现在主要采用身体和剧本同时运行的表演形式。我们现在在上海戏剧学院进行身体训练的教学实践,希望未来可以在排练方法和呈现形式上做出改变,比如曹禺的戏,我们期待可以有不一样的呈现,希望能有更多不同的解释。我们演过《奥赛罗》,其他国内剧团也演过,演出呈现都大同小异。尤其是剧中杀戮前的慷慨陈词,观摩的过程中,我们发现德国人的表演处理就和我们国内不一样,看完之后我才意识到自己是真正懂了这个剧本,体会到他杀人之前内心的矛盾,这就是通过身体的表演对剧本的深层次解读:

  排经典,排曹禺剧作,在不改词的情况下我觉得有多种多样的方法可以诠释,不局限于布景创新、多媒体技术的运用等等这些外力,而是有赖于演员由心灵到身体的全部解读,给艺术家更大的自由。我觉得可以在上海举办一次针对于曹禺某一部剧作的戏剧节,让全世界的艺术家都来排《雷雨》,都来排《原野》,但是大家的表演都不样,做不重样的曹禺,这才是属于全世界和所有人的曹禺!

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